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7 règles pour débuter en graphisme

Le graphisme est l’art de combiner des images, du texte et des idées pour créer des œuvres qui captent l’attention d’un spectateur pour communiquer un message spécifique. Parce que les graphistes sont toujours aux prises avec la façon de faire exactement cela, ils ont proposé une variété de conseils et de techniques pour garder leur travail organisé et efficace.

Les éléments de conception sont mieux compris comme étant les éléments constitutifs de tout projet. Même le portefeuille de conception graphique le plus complexe peut être décomposé en éléments fondamentaux tels que les lignes, les formes et les polices. Pendant ce temps, les principes de conception – parfois appelés « les principes de l’art » — sont des règles qui aident à définir et à réguler la façon dont ces éléments interagissent les uns avec les autres, avec leur contexte et avec leur public. Bien que les éléments de conception et les principes de conception soient des concepts importants à connaître, cet article se concentre sur les éléments de conception, qui sont considérés comme les caractéristiques les plus nécessaires de tout projet de conception graphique.
Couleur, la texture, le type, l’espace et l’image. Chacun a ses propres forces et faiblesses. Maîtrisez ces éléments de base et vous ferez passer votre portefeuille
de conception graphique au niveau supérieur.

Ligne

Les lignes sont toujours plus que de simples points reliés entre eux. Selon leur forme, leur poids, leur longueur et leur contexte, les lignes peuvent aider à organiser l’information, définir des formes, impliquer un mouvement et transmettre des émotions. Lorsqu’il s’agit de sélectionner les lignes appropriées pour les projets, les concepteurs ont de nombreuses options. Les lignes peuvent :

  • … être horizontale, verticale ou diagonale.
  • … Être droite, courbée ou de forme libre.
  • … zigzaguez ou créez d’autres motifs.
  • … être solide, brisé ou implicite.

Les lignes invisibles trouvées dans les grilles des motifs imprimés agissent comme des guides, offrant aux projets plus de structure et de direction. Pendant ce temps, des lignes visibles avec du poids et de la forme peuvent être utilisées pour communiquer une variété de messages et d’ambiances dans le travail finalisé d’un designer.

Pensez aux types de lignes que vous voyez dans votre vie quotidienne et rappelez-vous les types de messages qu’elles vous transmettent. Selon leur contexte, les lignes sombres plus épaisses peuvent communiquer la stabilité ou souligner une menace. Les lignes griffonnées peuvent suggérer de l’excitation, de la confusion ou du désordre. Les lignes en zigzag peuvent exprimer l’électricité ou la colère, tandis que les lignes ondulées peuvent suggérer la fragilité, l’élégance, l’incertitude ou la beauté.

Parce que même des lignes simples sont capables de transmettre tant de choses, les concepteurs doivent toujours réfléchir attentivement comment et quand les utiliser pour avoir le plus d’impact possible.

Forme

graphisme

Aux fins de la conception graphique, les formes sont mieux comprises comme des zones, des formes ou des figures contenues par une limite ou un contour fermé. Il existe deux types de formes que tout graphiste doit comprendre : géométriques et organiques (ou « fluides »). Les formes géométriques peuvent inclure des formes bidimensionnelles ou tridimensionnelles. Ils sont créés par un ensemble de points qui se connectent par des lignes droites ou courbes et sont généralement abstraits et simplistes. Les formes géométriques peuvent inclure des triangles, des pyramides, des carrés, des cubes, des rectangles, des pentagones, des hexagones, des octogones, des décagones, des cercles, des ellipses et des sphères.

Les formes organiques sont beaucoup moins uniformes, proportionnelles et bien définies. Ils peuvent être symétriques ou asymétriques. Ils peuvent inclure des formes naturelles, telles que des feuilles, des cristaux et des vignes, ou des formes abstraites, telles que des gouttes et des gribouillis.

Les gens assimilent souvent les bords et les anneaux arrondis à la positivité, à la communauté, à l’amour, à l’amitié et à l’harmonie. Les carrés et les rectangles peuvent suggérer l’équilibre, la fiabilité et la force. Les triangles ont des associations culturelles avec la science, la religion, l’histoire, la civilisation et le pouvoir. Si vous choisissez un certain ensemble de formes, vous pouvez transmettre stabilité, fiabilité et organisation. Choisissez-en d’autres et vous communiquerez le chaos, la création et le plaisir.

Selon la psychologie de la Gestalt, une théorie dominante du design, le public donne un sens aux designs en les voyant comme un tout plutôt que comme leurs parties individuelles. Choisissez des formes intéressantes et appropriées, et vous êtes sur la bonne voie pour offrir aux spectateurs un design plus agréable visuellement et qui retient l’attention.

Couleur

La couleur peut être un outil utile pour communiquer une humeur ou provoquer une réaction émotionnelle de votre spectateur. La théorie des couleurs et la roue chromatique fournissent un guide pratique aux graphistes qui souhaitent sélectionner une seule couleur ou combiner plusieurs couleurs de manière harmonieuse ou intentionnellement discordante.

En graphisme, certaines couleurs sont regroupées dans des catégories particulières.

  • Les couleurs primaires (rouge, jaune et bleu) sont définies comme les couleurs de pigments purs à partir desquelles toutes les autres sont fabriquées. Il n’y a aucun moyen de mélanger une autre couleur pour obtenir du rouge, du jaune ou du bleu. Mais, mélangez-les et vous créez toutes sortes de nuances.
  • Les couleurs secondaires (violet, vert et orange) sont les résultats immédiats du mélange de deux couleurs primaires : le rouge et le jaune donnent l’orange, le bleu et le rouge font du violet, et le jaune et le bleu font du vert.
  • Les couleurs tertiaires (rouge/orange, jaune/orange, jaune/vert, bleu/vert, bleu/violet et rouge/violet) sont les six couleurs qui résultent du mélange d’une couleur primaire et d’une couleur secondaire.

Les harmonies de couleurs sont créées lorsque deux ou plusieurs couleurs sont choisies à partir de leurs positions sur la roue chromatique.

Les couleurs complémentaires se font face sur la roue chromatique. Ils sont très contrastés et peuvent exprimer du dynamisme et de l’énergie ou être visuellement discordants, selon la façon dont ils sont utilisés. Le rouge et le vert sont des couleurs complémentaires.

Les schémas de couleurs analogues utilisent des couleurs qui se trouvent les unes à côté des autres sur la roue chromatique. Ils sont visuellement agréables et peuvent créer un sentiment d’harmonie et de calme dans un design. Cependant, ils peuvent aussi sembler ternes s’ils sont mal utilisés ou s’ils n’ont pas d’autres éléments contrastants pour les dynamiser.

Les combinaisons de couleurs triades utilisent des couleurs qui sont régulièrement espacées autour de la roue chromatique. Ils sont très dynamiques et nécessitent un équilibre pour être visuellement agréables.

Les schémas de couleurs tétradique ou rectangulaires utilisent deux ensembles de couleurs complémentaires. Parce qu’ils comportent quatre couleurs, les schémas tétradiques offrent aux concepteurs une myriade de variétés et de résultats possibles.

Les palettes de couleurs carrées comportent quatre couleurs qui créent la forme d’un carré sur la roue chromatique. Ils présentent également de nombreux résultats de conception possibles, mais doivent toujours être équilibrés lorsqu’ils sont utilisés.

Pendant que vous considérez vos schémas de couleurs, vous pouvez également décider de la teinte et de la nuance appropriées pour votre projet. Les couleurs pastel peuvent sembler apaisantes ou peu sûres d’elles, tandis que les teintes vives peuvent transmettre plaisir et bonheur, ou sembler bon marché dans le mauvais contexte. Les nuances plus foncées évoquent le sérieux et le professionnalisme, mais elles peuvent aussi sembler sombres ou ennuyeuses si vous ne faites pas attention.

Selon les experts, les êtres humains ont des réponses psychologiques différentes à la couleur selon le contexte culturel. Il est important de connaître les associations de couleurs de votre public et de les exploiter ou de les éviter, selon les objectifs de votre projet.

Texture

La texture est la sensation d’une surface – poilue, lisse, rugueuse, douce, gluante ou brillante. La plupart des graphistes doivent transmettre visuellement la texture en utilisant des illusions pour suggérer ce que leur travail pourrait ressentir si les spectateurs pouvaient le toucher. La maîtrise de la texture est un élément important pour rendre les conceptions soignées et professionnelles.

Il existe différentes façons d’expérimenter la texture dans votre travail de conception. Si vous êtes inspiré par la nature, vous voudrez peut-être travailler avec des textures organiques, en vous inspirant des feuilles, de l’écorce des arbres, des pierres, de la fourrure, des fleurs, de l’herbe et de la terre.

Ou vous pouvez créer un motif abstrait en répétant uniformément des éléments bidimensionnels, puis utiliser ce motif pour créer des arrière-plans texturés. Envisagez de travailler avec une typographie texturée afin de fournir un intérêt visuel supplémentaire.

Si vous êtes intéressé par la photographie, vous pouvez également apprendre à incorporer des images dans votre arrière-plan qui superposent votre travail. Pour un contraste de texture supplémentaire, ajustez les niveaux de saturation et de transparence des couleurs de votre photo et voyez comment cela affecte l’ambiance de votre conception.

Typographie

Que vous choisissiez une police ou que vous créiez votre propre typographie, pour un projet de conception graphique, il est important de vous assurer que le type que vous utilisez est lisible et approprié à votre sujet. Le type affecte l’ambiance générale d’un design, alors demandez-vous si vos lettres doivent être imprimées ou manuscrites, et si elles doivent avoir des angles vifs ou arrondis.

Le poids de votre lettrage est également un élément important de votre conception. En règle générale, les lettres grandes ou épaisses indiquent que les mots qu’elles véhiculent sont importants. Si vous ne faites pas attention, cependant, ils peuvent par ailleurs sembler lourds ou perturber l’équilibre d’une conception. Les lettres fines peuvent évoquer l’élégance ou la modernité, mais elles peuvent aussi paraître fragiles. Si vous ne pouvez pas vous contenter d’une police ou d’une taille, vous pouvez en incorporer plusieurs dans la conception finale de votre logo. En règle générale, n’en dépassez pas trois dans un projet donné.

Espace

L’espacement est un élément essentiel de la boîte à outils de tout concepteur. Il peut donner un répit à un design, augmenter son impact visuel, équilibrer des éléments visuels plus lourds et mettre en valeur des images ou des messages dont les téléspectateurs doivent se souvenir. Sans suffisamment d’espace, un design peut risquer de devenir trop encombré visuellement pour que votre public puisse le comprendre.

L’espacement peut séparer des objets ou les relier entre eux. Un espacement étroit entre les éléments visuels indique qu’ils ont une relation forte, tandis qu’un espacement plus large indique qu’ils sont moins liés. Lorsque vous entourez un élément visuel d’espace, vous mettez l’accent sur son importance, mais l’espace peut également suggérer la solitude et l’isolement.

L’espace positif fait référence à l’espace occupé par les éléments visuels sur lesquels un designer souhaite que son public se concentre. L’espace négatif fait référence à tout le reste, y compris l’arrière-plan. De nombreux designers font l’erreur de se concentrer uniquement sur la création d’un espace positif, mais un espace négatif organisé est tout aussi essentiel à une composition cohérente et visuellement intéressante. Si vous prêtez attention à la façon dont l’espace négatif affecte votre conception, cela pourrait faire passer votre projet d’amateur

Image

Que les graphistes utilisent des photographies ou des illustrations, ils s’appuient sur les images pour attirer l’attention du public et exprimer des messages spécifiques. Une image fonctionne à plusieurs niveaux simultanément :

  • elle fournit un contexte pour la communication d’un designer, ajoute le drame ou l’action nécessaire et crée une ambiance générale.
  • Lors de l’incorporation d’images dans votre travail, il est essentiel de trouver une image qui raconte la bonne histoire et maximise l’intérêt visuel. Vous pouvez choisir une image avec beaucoup de couleurs et de textures contrastées, ce qui offre aux téléspectateurs un festin visuel pour maintenir l’intérêt du public. Ou vous pouvez mettre en évidence une partie particulière d’une image pour indiquer où ils placent la majorité de leur attention.
  • Les images sont peut-être les outils visuels de communication les plus percutants. Si vous utilisez judicieusement leur pouvoir à votre avantage, votre travail transmettra plus que vous n’auriez jamais cru possible.

Conclusion

Vous pouvez utiliser des éléments de conception sous n’importe quelle forme ou mise en page qui nécessite du texte, des images et des idées pour exprimer.
Quelque chose d’unique, des affiches et des panneaux d’affichage aux brochures et emballages. Apprenez à choisir et à utiliser judicieusement chaque concept, et vous serez sur la bonne voie pour créer des conceptions graphiques fraîches, communicatives et visuellement attrayantes.

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